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第一篇：音乐培训心得体会
通过这一周的培训，真得让我学到了很多东西；首先，对奥尔夫音乐有了更深入的了解与学习，从奥尔夫音乐的特点、教育理念、教学态度、奥尔夫的教育原则，对奥尔夫其人以及最重要的奥尔夫音乐教法都有了了解；同时，通过学习奥尔夫音乐也让我感受到了除了蒙氏教育外，又一种特别的教育方式，他不会刻意的要求孩子做什么，也不会去教孩子该怎么做，而是让孩子自己在玩中学，让孩子自主的去探索，研究，最后“发现新大陆”，他不会注重结果，他在乎的是孩子在过程中的每一个小细节，从而分析孩子的身心发展，让孩子亲自去体验音乐带来的快乐；
其次，让我从每一位老师身上看到了不少优点和值得学习的地方；起初，我还想这次培训的老师都是各园很优秀的老师，我有很大的压力，可后来转变一想，这不正是我学习的好机会吗？孔子曰：三人行，必有我师焉；是的，我认真的听每一位老师的每一节课，我都会从每位老师身上学到很多东西，如：老师的教态，教育方法，甚至到他们课前做的小律动，每一位老师身上都有值得我学习的地方。
再次，经过对奥尔夫的培训，我也看到了我自己有很多不足的地方，从一节奥尔夫音乐课就可以看出，也许我的思路很清晰，很好，可是，总会少一些实际操作上的执行力，当面对孩子的时候，自己的一些想法还是没有发挥出来看到了，导致一节课的教育目标就没有达到；我想，以后我还要多花一些时间来学习，把自己不足的地方补好，争取给孩子的每一节，都是最完美的，我会努力的，加油！
第二篇：声乐课心得体会
声乐课心得
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有幸听了邹老师一个学期的声乐课，感觉受益匪浅。让我这个对音乐知识一窍不通的门外汉，也渐渐对音乐入迷了。
犹记得第一节声乐课，邹老师并没有循规蹈矩的给我们讲述乐理知识。而是别具匠心的给我们上了一节社会课学，他幽默风趣的讲风，让大家忍俊不禁，同时也深刻的认识到音乐在生活中的重要性不仅仅是陶冶情操这么简单，而是我们步入社会的敲门砖，更是我们抓住机遇的利器。还让我深刻的体会到没有艺术的存在世界将会像一张没有色彩的画纸一样豪无生气。
发声练习
以往的发声练习都是以发mi和a为基础的渐进音阶练习，但是邹老师教给我们的却是si和ha的气声，长si短si，si和ha结合，浅显易懂让人一学就会，很快就入门了。肚子一吸一吸的像小青蛙一样，靠的不是胸腔练习而是肚子横膈膜的丹田之气，把嘴张大，把音发准，经过反复练习让大家掌握这种吸气吐气的方式。其实，好多人唱歌都不是正确的方法，我感觉这样的吸气吐气让我在唱歌时，比较轻松相对以前的胸腔呼吸法，而且，这种放法不费嗓子，完全是气力。老师还让我们多加练习，像走在食堂路上什么的，不要害羞。那堂课我们还唱了原先想唱都不敢唱的青藏高原，有了高音区的小技巧，全班几乎全唱上去了，感觉像做梦一样。大家都很是兴奋，觉得唱歌也是想象中那么难，对自己都充满了信心。发声练习，每天必练的，需要坚
持，这样声带才会发挥出来，要不也是前功尽弃。
我们学习了怎么样编舞，现代舞和民族舞。老师让每个人想出一小段舞蹈，然后再结合在一起，稍加修编就有一套舞蹈了。而且效果还相当不错。编舞也是有很多技巧的，舞蹈是有三大特质的：动作、时间、空间，这三点在编舞时都要考虑进去，舞蹈用身体动作，在舞动中使其发生变化，赋予其形式、力量、品质，使其艺术化。编舞时，比较注重节奏，节奏给动作以活力。它构筑在强拍和弱拍交替进行的基础上。每个动作能够有它自己的节奏，无需音乐的支撑。节奏不一定以小节的形式表现出来，呼吸、激动也有节奏，节奏是运动的脉搏 。所以这点很重要。后来老师还让我们进行了小组的编舞并进行表演，有效地调动了同学们表演的兴趣，在规定的时间激发了同学们的想象力，创造力和小组的协作能力。而后老师对我们所编的舞蹈进行了指导和点评，让我们从中学到了很多书本上学不到的东西。 造型练习
出场的造型往往和舞蹈联系在一起，出场出彩的话会让人感觉到眼前一亮，有时会可达到事半功倍的效果。一人造型需要的刚强感柔美感，两人造型所体现的肢体表现力，三人造型的层次感，还有四人造型，五人造型的立体感。以及多人造型的舒张性舞台表现力。舞台不是单纯的符号与造型，也不是单一的审美装饰，而是在特定的思想支配下对演出空间的构建和组合，有视幻的营造，有美学的升华，有深刻的哲理内涵，也有高新技术的探索和实践。课上并且学习了男女合
唱怎么排队型，例如对称型，交错型，传统型，大合唱的队形要求，基本原则是中间高四周低的原则，合唱训练时合唱形式可以有按声部划分，轮唱，男女合唱，夹带朗诵等等。
舞蹈学习
我们还学习了民族舞--藏族舞，藏民族是个信仰藏传佛教的民族，同时也是个能歌善舞的民族。在漫长民族历史孕育下的若干节日中，几乎找不到不以歌舞作为敬奉神灵和欢娱民众、借以把节日欢乐气氛推向最高潮的先例。
这使我对藏族舞产生了浓厚的兴趣，同时也进行了一些资料上的调查与研究：
藏族舞蹈热巴以铃鼓舞为主，是一种包括弦子、锅庄、踢踏、说唱和杂耍在内的带有综合表演性质的舞蹈艺术。相传为11世纪的流浪僧人米拉热巴所首创，距今已有900多年的历史。舞时，男执铜铃，女举手鼓，舞蹈由慢而快，常作“顶鼓翻身”、“躺身蹦子”、“单腿转”等特技表演。从事这种表演的艺人也称为“热巴”。
藏族踢踏舞——最初为宫庭舞。跳舞时，脚穿硬底皮鞋，通过踏出有变化的节奏表达内心的感情。踢踏舞由横笛、扬琴、六弦琴、铜铃，月琴等伴奏，节奏由慢而快，往往在达到最高潮时嘎然而止。 弦子舞——藏族称“谐”。流行于四川、云南等省藏族地区及西藏自治区昌都一带。舞时围成圆圈，领舞者边歌边舞，拉着弦子（藏族一种拉弦乐器）伴奏，余者随之，时而向圈内聚拢，时而散开，双手甩动长袖，动作优美，曲调丰富，每个不同的曲调都配以不同的舞蹈。
歌词内容也很丰富。
勒谢——藏族劳动歌舞。在劳动的同时，口中的歌与手中的工具及腿脚有节奏的动作相配合，使劳动成为边歌边舞的形式。在进行铲土、打夯、垛麦等强体力劳动时，勒谢歌具有很强的劳动号子味道。 民族舞泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约、即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式，藏族舞让我们感受到丰收喜悦之情，藏民们憨厚热情的气度，让我们在舞蹈中和他们一同分享他们对生活的热爱之情，对生命的祝福。 通过这学期得声乐课学习，我受益匪浅，对声乐也有一定的了解，也知道了怎样运用所学来演唱歌曲，我最大的收获还是看见了感受到了学习一门艺术，要对这门艺术充满热情，有坚持不懈的韧劲，在这基础上再对它进行更深一步的学习与探究。篇二：浅谈学习声乐心得体会
浅谈学习声乐心得体会
常毅敏
唱歌是人的一种本能活动,越自然越好,我感觉最好的声音是在自然中歌唱,歌唱的方法与习惯,也应当依赖于身体的自然动作,歌唱也应该是全身的歌唱,并不是某个部位的歌唱。
一、好的声音需要有正确的呼吸来支持
很多歌唱者总感觉吸不进去气或者吸得太满,或者一吸把整个身体都吸僵了,造成气息不流动。我感觉吸气没有那么困难?,每一个身体正常的人都会有良好的呼吸。如果,你观察婴儿或者当你躺在床上睡觉时那种自然的呼吸,你会觉得那是最好的呼吸方式。把这种呼吸加上强有力的腹部肌肉加以帮助,就得到了深而富有弹性呼吸。婴儿本能和躺在床上自然的呼吸,到后来会出现不自然的改变,主要是我们人为的各种因素所导致,变成了不那么深而满的上胸来呼吸。不要把气息当成一个很难的问题,当你唱歌时感觉气不够用了,由于本能的反应,一放松就吸进气了。
依靠气息是对的,用气吸是不准确的,我认为要与自然呼吸相一致而且唱歌时不需要用太多的气息,一定要寻找一种用极小的气息置放声音的方法。所有气短的人都是用气过多的人,而且唱歌时看起来还很累,声音出来也是苍白无力的。凡是懂得唱歌的人,都只会用少量的气息,但却能获得很好的声音。
二、打开喉咙的关键 喉咙是声音发出的必经之路,如果开的不够大还企图发出一个丰满又圆晕的声音是不可能的。同时,喉咙又是气息呼出呼进之处,如果紧闭着,声音就会去寻找另外的出路,要不就会闷在里面。我们不应该认为嘴张大了喉咙也会同样打开,有时候看起来你外口张得很大,其实内口没打开,你把它张僵了,而且下巴也被弄僵了。歌唱时要感觉好像别人一拳把你的下巴打脱臼一样或者感觉唱歌时没了下巴。一位优秀的歌唱家,只需依靠呼吸的一点力度,而不需要人察觉到张大着嘴,喉咙就很自然的打开了。打开喉咙的同时面部表情必须松弛,嘴的两边也必须松开,同时使下巴自然的放松。我认为喉咙的打开很简单,就是一吸气就张开了,然后就顺着开始唱,一直保持着这种状态,它就一直张开着,用了这种方法,你说话也可以,唱歌从头唱到尾都行,只要你里面的状态保持不动。
三、拥有好的说话方式是学好声乐必不可缺少的条件
我们应该把说话作为歌唱的基本前提,拥有一种好的说话方式,我感觉也是学好声乐必可缺少的条件。我去上海学习时,老师就说我的说话方式不好,方言太重,直接影响到我的唱歌。在那时,我才意识到说话方式也会影响到歌唱,我劝大家一定要改掉不好的说话习惯,好的说话方式是学好声乐的前提。
说话和歌唱是两种形式的声音,它们虽然不一样,但两个的感觉却一样,它们是紧密相连的,如果忽略其中之一就意味着废去了另一个正确的发声和优点。语言的纯正,是正确歌唱的必不可少的条件。歌唱总是保持着说话语言的特点,不论它是悦耳的还是刺耳的。要建立用一种语言作为训练嗓子的方法,“意大利语言是最有旋律性和最适合歌唱的,由于意大利文具有丰富的元音,他是最好唱的语言,或者说对初学者更为有利。意大利文由于具有丰富的元音,无疑要比富于辅音的德文,或别国语言好唱得多,发生结构和发声器官在意大利语中,很少有大的变
动。”无数的元音保证歌唱者方便的连接到声音上去。所以,我建议大家首先要把五个元音发纯正,这是最基本的,辅音只是一带而过,元音是最最重要的。
四、自然音区的音在整个歌唱中的作用
自然音区的学习是非常重要的,它的每个音都是有声带用最低限的张力和最少量的呼吸产生的。它是最容易而且不费力气轻松能唱出来的。
大部分学生高音唱不好,我感觉都是自然声区没有唱好、没有唱对,在自然声区唱歌就用很大的力气,以至到高声区用更大的力气,“造成发声器官越拉紧、越收缩,他们的腔体空间就越小,从而发出的音量也就更小;越是用大量过分压缩的气息;音高就越不准确,而且原来的音质也会越少、越不自然。”大家如果细心听卡鲁索的唱片了,你就根本听不出有什么音区的变化,他唱的高音我们听起来一点也不觉得它像高音,好像和自然声区一样而且一点也不费力,很轻松;其实就是和自然声区的感觉一样,前提是自然声区必须非常轻松的唱对。大家也可能练过,当你唱高音不舒服的时候,老师会让你先唱一个低八度的音,然后用这个音的感觉再唱高音,这样就能唱好。可见自然声区是多么的重要,我希望大家都能对自然声区有个新的认识,多唱自然声区,多想自然声区,不要急着唱高音,自然声区唱好高音随之就有了,这也就是水到渠成。篇三：声乐学习心得体会
声乐培训学习心得体会
在 李成平老师对我们教师声乐的培训中，我颇有心得，下面谈谈我的一点学习体会。 学习声乐懂得在唱歌中声乐技术的学习是最重要的。在培训期间我懂得了声音的艺术、正确的唱歌的姿势、歌曲乐器的三要素和歌唱的呼吸等等。 我深深的体会到声乐艺术很要时间来打磨。它不但要有兴趣、要有科学的发声方法、要有健康的身体、良好的心态，还要求你要有一定的文学修养、综合素质，甚至具备内敛和张扬的性格。我越发觉得，声乐就像是登山，登得越高越困难。这就要求我们必须具备百折不挠的毅力和巨大而持久的耐心。但到具体连声时或唱歌时，总会出现一些气息不知如何用，喉咙不知道如何打开，歌唱不自然等现象。对我这个初次接触声乐的学生来说，有一定的难度，虽然困难，但我一直在稳稳地迈着每一个脚步，并且依然享受着整个过程中的喜怒哀乐。这其中一定和李老师出色的教学是分不开的。
我个人认为，最重要的是歌唱时无论自己心情如何，在歌唱的那一刻也要努力做到“微笑”的心态，这是作为一个歌唱者始终应该做到的第一件事。另外，我们应不断提高自己的精神状态和内在修养。
还记得第一次站在讲台上对着那么多人演唱并且还得到熊老师赞扬时的狂喜，还记得第一次跟李老师上完课，回到家听到自己的声音竟然是那么的干涩难听时的落寞和失望；还记得第一次通过正确的方法找到共鸣和基音时的畅快和踌躇满志。
这次来进修学院进修给我带来的提高真是太大的,让我的专业技能和音乐素养都有了进步,更重要的是,我学会如何去学习了,我相信在我以后的教学中,在进修学院里学到的知识将使我和我的学生们受益匪浅.今后我会更加努力的学习,回到学校以后我会把我所学都用在培养下一代学习声乐孩子的身上,希望能为提高我们当地声乐教学水平尽到自己的一份力量.我会把我对进修学院的感谢之情化作我工作的强大动力！
最后要特别感谢李老师，是您让我触摸到了声乐，是您让我的生活变得比以前更加丰富多彩，是您让我找到了自信，是您让我明白自己只要努力就可以做好每一件事情。篇四：浅谈声乐学习中的几点体会 浅谈声乐学习中的几点体会
毕业生:冯春英 指导老师:吕云路(教授) (聊城大学音乐系98级1班 山东聊城 邮编:252059) 【摘要】通过几年的声乐学习,想把自己的亲身体会从歌唱(主要是指美声唱法)的基本要素一呼吸,发声,共鸣,语言和歌唱的艺术表现这两个大的方面着手,简单说一下自己的经验和对声乐学习的几点认识. 【关键词】基本要素 歌唱的共鸣 歌唱的语言
【前言】我由一名声乐爱好者,考入大学,学习声乐四年,在即将毕业踏入工作岗位,想把从开始学习声乐到入学之后继续学习声乐的一些心得体会和几点认识简单地说一下. 一,歌唱的基本要素 人声歌唱的基本要素包括呼吸,发声,共鸣和语言四个部分.呼吸是动力,气息冲击声带发出声音,声音经过共鸣腔体把它加以扩大和美化而形成动听的声音.在歌唱活动中,呼吸,发声,共鸣这三者是同时出现的有机结合的统一体,如果没有呼吸,没有共鸣,嗓子的运动也不存在.只有用歌唱所需要的呼吸,共鸣,嗓子才能唱出歌唱所需要的声音.我们在学习声乐中,不要单打一,只考虑一个方面,若那样的话,很难断定你唱的是对还是错,对到什么程度,为什么是对的,或者反之,怎样才是最合适的,要从最后的音响来判断,绝不会出现哪个歌唱者共鸣是好的,嗓子也对,就是呼吸不好这样的现象,要是对就全对,有一部分不对,其他两个也好不了,三者是不可分割的.歌唱乐器还有一个区别于其他乐器所独有的特点就是语言,它使歌唱艺术在传情达意上独具特色,由于语言的改变,其他三者也会随之改变.因此,歌唱的四个要素有着内在的密切联系,不可分割.但为了讲述清楚,下面我会从几个方面分别来阐述. 1,歌唱的呼吸
呼吸是歌唱的动力,歌唱的支持力.我们生活中也有呼吸且人人都会,都是本能地吸进去呼出来循环往复地呼吸着,有时急促,有时缓慢,有时吸的深,有时吸的浅,这些生理现象的呼吸很自然,谁都有谁都会,但是歌唱中的呼吸与生活中的呼吸不同,它要变化很多,并且比说话的呼吸要吸得深,用的久.歌唱的呼吸要随着乐句的长短,根据情绪情感的的喜怒哀乐而变换着运用呼吸.因此歌唱的呼吸不同于生理性呼吸,而属于有意识,有目的,带有歌唱技巧性的呼吸.人的呼吸有两组肌肉带动,一组是管吸气的肌肉群,包括从前胸往下主要有两肋,腰部周围甚至后背都包括在内,另一组是管呼气的肌肉群.生活中感叹的啊,唉,咳嗽,打喷嚏都是呼气肌肉群的工作,这组肌肉群很强但歌唱时不需要很强,一般呼气肌肉的动作都够用的. 歌唱者在吸气时要用鼻子和嘴一起吸,并且吸气时的口腔应当是放松的,那么怎样才算是深呼吸呢 这里有两个方法:一是身体放松很舒服地坐在椅子上,两腿分开,两胳膊肘放在膝盖上,这时吸气,会感觉到吸的深度和力量是在腰围,后背,后腰等部位,并都有膨胀的感觉,这就是深呼吸的部位,站着呼吸不易感觉到,坐着容易感觉到;另一个方法就是弯腰90度,两臂放松自然下垂,两脚略分开,要站稳,这时吸气,气息很自然的吸到腰的周围,很明显的后背后腰膨胀,这是唱高音用气的位置. 歌唱者歌唱时,先吸气,气息进入体内,这是吸气肌肉群在工作,若此时感到呼吸器官畅通,很舒服,胸前和两肩都没有紧张感,那么这口气是吸的很正确的.那么该怎么做呢 首先歌唱时吸进气不要一唱就全跑光了,而是吸气肌肉群与呼气肌肉群合作,将吸进来的气保持住,即吸气肌肉群继续工作,不能放松.有了支持就可以做到用最小的气息消耗,唱出好的声音来.继续保持吸气的状态,使呼与吸形成对抗,这个对抗就是我们常说的呼吸的支持.呼与吸的对抗变成一种压力,就产生气息的密度,这个密度就是歌唱的支持,越到高音压力越大密度越高.歌唱时保持在吸气的基础上发声,呼与吸的对抗伴随着一个乐句的演唱始终保持着,只有在一个乐句唱完时才放松.接着吸气进行下去,直到一首歌曲唱完.呼吸的动作是个巧劲儿,也是功夫,吸气应在吸气的一刹那有整个身体松一下的感觉.在这里的松不是指身体的各个部分都垮
了,腰部周围的状态是不能松的,只是感觉而已.我在练习歌唱时,有时一张嘴,本来吸好的气一唱就全都跑了.下面(腰部)没有把根拽住,力量全都跑到喉咙里去了.这样唱声音是虚的,并且浑身不舒服,越想使劲越使不上,到头来弄得嗓子哑了,喉咙发炎等不良症状.此外,吸气时绝不是吸得越多越好,吸多了,会导致身体僵硬,连胳膊都僵了.吸少了,气不够用.我们要根据延长的音高,力度,速度,元音以及旋律的变化,句子的特征来决定呼吸的多少.在声乐训练中,我常犯吸很多气的毛病.总怕一口气唱不完一个乐句,所以就多吸,吸多了反而僵了,也还是唱不完一个乐句.要练习根据乐句的长短适量的吸气.在唱出一个乐句之前,头脑里已经有了感觉,凭着这个感觉来确定呼与吸的对抗压力合适的尺度.面对不同类的歌曲,吸气也可略有不同,若歌曲速度是慢的,应当按节拍的速度从容吸气,略张开口用鼻子吸气;若歌曲速度稍快一些,则鼻子和嘴一起吸,把口放松张开,一吸气就吸进去了.如果听见吸气的声音说明吸气的通路没有打开,或吸的很快时,也可以听见吸气的声音,这样的呼吸是浅的. 总之,歌唱的艺术就是呼吸的艺术,因为歌唱中所有的变化都是来自呼吸的支持. 2,歌唱的发声
声带是发声体,是发出基本音的地方,是音源.无论是男女高低声部,不管是中国人还是外国人,凡是健康的嗓子都有两种机能,一种是发真声的,真嗓子的机能,现在的说法叫重机能;一种是发假声的,假嗓子的机能,现在又称轻机能.重机能是整个声带振动(全振),轻机能是局部声带振动(边缘振动),每一个正常的,没有毛病的嗓子都有这两种机能.所谓真假声是我们搞专业的在声乐上的概念. 在生活中说话也好,唱歌也好,用的好的声音都需要两种机能起作用,这两种机能互相配合运用,不能单用一种,任何单用一种机能的方法都会让嗓子出问题,除非一天只说一句话,或者只唱两三分钟,可以例外,如唱低音用真声多些,唱高音用假声多些,唱中间的声音则用真假声混合的比例差不多,好的说话声音也是真假混合的声音,即重机能,轻机能结合的声音.从嗓子的使用来说,各种唱法真假声的比例大有不同,从音域的低音到高音,先是以真声为主,中间真假声比例差不多,然后逐渐发展到以假声为主.以真假声的比例不同来决定唱法的不同.一般说来,用真假声的比例,男声,女声不同,唱高音,唱低音也不同.同样一个行当就有好和坏,没有不科学的方法只有不科学的人,因为方法在人掌握和运用.每个人的唱法是好还是坏,关键在于你用嗓子用的好不好,真假声混合比例程度好不好,这个好不好决定于你如何用声音,决定于你是不是充分地用了共鸣,如果你充分用了共鸣,也就是你用最少的本钱嗓子得到最大的共鸣,这样的唱法不仅能使歌声传的远,而且歌唱生命持久,如有人完全用真嗓子唱,让嗓子使劲的话,听起来既不好听,且唱不了几年就不能唱了. 美声唱法绝对地要求真假声混合,不只是嗓子是混合的,共鸣状态也是混合的,完全是一个统一的现象.绝不要单机能出现.共鸣腔体预备好了,用嗓子是对的,合理的,这就是好的.从音高的角度看,从低音渐渐向高音走的时候,呼吸方面的变化是压力由小渐大.嗓子方面则以重机能为主,轻机能为辅向以轻机能为主重机能为辅的方向转化.不管以什么为主,别管音高音低,都是混合的,高音低音呼吸时,气的压力不一样;高音低音嗓子的用法不一样,高低音共鸣的适应性也不一样.这三个因素呼吸,发声,共鸣互相影响,一个音高在变,另两个因素同时也随之变化.我们练唱,练高阶,高高低低的练,要练的使每个音得到最好的平衡.适应最好的平衡就是练半音,每个音在理论上都不是绝对的一样的,我们要它在听觉上一样,也就是我们常说的声音的统一,我们在练音阶时,不用说全音就是半音之间,实际在理论上都不是绝对一样的.音与音之间在唱法上是有差距有区别的.不是用一个感觉去唱所有的音.也许我们的声乐老师在讲课的过程中也曾说过用一个感觉去唱所有的音.其实这句话的意思是要求在听觉上所有的音是一样的圆润并有平衡感觉.我们在练习长短音阶或歌唱时,就要是把过程的不统一变成结果的统一.音越高呼吸对抗的密度越大,再低的音也要有上边,即让声音立起来,再高的音也要有下边,即不脱离基音,也要有高泛音(c3以上的音除外),好的声音是混合的好.尤其是 往高低两边去的时候,平衡感容易失掉,随着音高嗓子的腔挤了,气也浅了,喉头也上去了,这是用力不当的结果;如果高音的用力,是用在呼吸的对抗上,越到高音对抗越大,就可以得到平衡.当然这得需要我们平时不断的练习.这些是我们生活中不习惯的,但必须了解我们练的习惯是适应歌唱的习惯.如深呼吸,打开口腔,下巴脖子身体放松等.歌唱就是要练歌唱所需要的并要养成习惯.例如杂技演员一只手划圆,一只手划方,这种技巧平常人是不会的.但杂技演员就要练这个. 我们要达到声音的真正统一并不是件简单的事,大多数人都必须练习音阶,包括二度,三度,五度,八度等等,反复的上去下来的练习,逐渐把音域练宽了.只有你承认他们不一样,才能练的不论多么大的距离,都能得到个个音都是好听的结果.也有的人声区统一,不用练很长时间就把这个坎迈过去了,那毕竟是少数. 关于声音出去这个提法,应将它看成是一种结果;首先声音在自己身上响了,振起来了,得到共鸣,尽可能好的共鸣.要把下颚,脖子,后劲,前胸两肩的紧张甩掉.没有这些紧张,声音绝对是解放的,做到这些,中声区就够用了.越往高音走,吸气的感觉就更多一些,使腔体更适于唱高音.于是,上边的共鸣就多些,声音出去的也多些.保持吸气的感觉是很重要的,因为吸着气的状态是保持腔体稳定而打开的好方法.在我们这个学习环境里,有时到高音不保持吸气的感觉,也不放炮(出现破音),而是越高越紧越挤,这是不对的.大一大二时,我发声时特别是高音就出现放炮现象,当时不知道是怎么回事,后来经过老师的引导,避免了放炮这一现象,可惜我又走进了另一个极端.以前不论高音是好是坏,能无意识地去唱,心理上并不害怕它,我以为这是身体放松的机会,再加上些方法技巧很快就会克服的,可是到了后来,一到高音我心理上就紧张,不敢去唱,心理紧张造成身体僵硬或放松的地方都紧了,这样出来的声音还不如放炮发出的声音,起码音高还够,而现在呢,音高直接就找不到了,脑子里根本没有音准的概念.经过上学期的考试,我受的震惊不小,竟然犯低级错误——音准不对.当时羞的我没脸见任何声乐老师.过后,我查了许多声乐资料以及一些心理方面的书籍,还问了一些声乐老师,并给合前一阵子唱歌的状态,我悟到了许多东西.其中最重要的是我心理上的问题.在老师纠正我发声放炮这现象之后,那段时间我觉得声音很舒服,并且内心一直是积极的状态.心理上没有任何障碍,身体很放松,信心十足,并且唱高音时也还可以,这说明我本身是能找到这种状态的,具备这个能力,就是后来上课状态不佳时,在老师的引导下也能发出好一点的声音,关键在于我内心意识太乱,更严重的是我心理素质和性格,再加上其它一些原因,在我心理上刻下一个阴影,非常害怕高音,内心很消极再也找不到以前歌唱的积极状态了.人体在没有信心,且紧张害怕的时候是发不出好的声音来的,心理紧张脑子一片空白,自己发出的声音根本就听不到,就好象我们上台演奏钢琴或者其他的乐器,若当时紧张根本就不知道自己弹的什么反正已经形成惯性,当然我所说的是针对初学阶段这个层次的,要说那些歌唱家或演奏家面对这些,他们会运用自如把握好的.我想这也是声乐学习中的必经阶段吧!对于发声放炮这一现象,想想当时的状态,我以为整个身体是比那种紧的挤的声音状态是放松的,气息是能用上一些的,正因为身体各部位放松些,再加上人体本能地保护嗓子或者是躲着嗓子才冷不防出现放炮现象,如若那种音越高越紧越挤,整个身体一紧是不会出现放炮现象的,因为使劲你用上了嗓子的劲,发出的声音是紧的挤的,气息甚至是没用上多少,否则是不会出现这一现象的.经过这样分析,发声时还不如放炮的这一种,放炮虽不是好事,但也不一定是很糟糕的事.通常的情况,放炮是因为气息方面的原因造成的,要说错就错在气息控制不好.我们可以稳定的保持吸着气的状态.犹如提琴的肚子不能忽大忽小.管乐里面不能随便加点这个加点那个,否则管乐的共鸣就会受到干扰的.自然会引起声音的改变.所以歌唱时喉部的稳定与换声也是密切相关的,同样呼吸若不是呈打开状态,同样是不稳定的,那就容易出现各种不能令人满意的后果. 在舞台上演唱时能让人感到你唱得是那么轻松,舒畅,自如那么容易,不知怎么就唱出来了,这是良好的歌唱发声的结果,掌握和运用歌唱方法本身就是要达到这个目的. 3,歌唱的共鸣
呼吸是歌唱的动力,没有动力就不能发声.有了动力以后,共鸣在歌唱中是非常重要的.因为声带发出的声音很小而且单薄,很不好听,不能成为歌唱的声音,要靠共鸣把声音扩大和美化,才能成为歌唱的声音.同时,决定歌唱音色的好坏,特别是音色的不同变化,共鸣是很重要的条件,几乎是决定性的因素.在歌唱发声过程中,所有的共鸣腔体都是起作用的.头腔共鸣是打开鼻咽腔所产生的共鸣,有时在头部产生一种振动的感觉,因此人们称之为头腔共鸣.唱歌的主要声道是喉咽部以上以下,这条声道畅通了,声音是明亮的集中的,有了共鸣,靠前就有了.只要把呼吸与共鸣的关系摆对,打开腔体(如打哈欠刚开始的状态)与深呼吸是同时发生的.有了舒服的深呼吸,共鸣腔体就打开了.口腔后边指喉咽腔,鼻咽腔,即张开口看到的后咽壁,顺着后咽壁往上往下的腔体,是唱歌很重要的共鸣腔体.歌声通过后边这条通道,把贴着后咽壁唱出的歌声反射到前面,形成靠前,而不是往眉心处唱.眉心是反射出共鸣的一部分,绝对不是手段.而且歌唱出来的声音,共鸣不只是眉心这一点,而是从头顶到前额都有共鸣.打开腔体的第一步是喉位放在什么地方,如果有很舒服的深呼吸,跟着喉器就会放下来的,下来的程度比日常生活中下来的低.低到什么程度是很重要的,不是越低越好,要保持着吸气时下来的程度,低到既能得到丰富的共鸣,又保持非常好的音色,并且声音运用自如.我们在练习中,会遇到某些同学压喉,这种现象在男同学身上多见些,千万不要压,压喉头的声音是僵的,是不正确的,如果歌唱中有压喉头的力量,那就是歌唱中不该用的力量,没有共鸣或共鸣少的声音是挤出来的,这样发声的呼吸不会是深的,发出挤的声音大多是由于喉头上升,气息变浅造成的.我们女生大多数犯这样的毛病,说起歌唱,一开始我把它想的大复杂了,老是不自主的额外加力,我的声乐老师曾说过,歌唱其实是件很 自如的事情,平时说话用多大的力量,就用多大的气,张嘴歌唱时,只要呼吸正确,腔体打开,还有用同样的力量发出的声音是松弛的,圆润的好听的.我们不要额外加力,如撑喉咙,下巴用力,我在练习中常犯这样的错误,大概是以前口腔开的过大,连嗓子眼也打开了,这样出来的声音是空的,漏气的,咬的满嘴都是而且越唱越使劲,越使劲越使不上劲.把声音送出来当然该用的共鸣由于额外加力会变的少甚至会失去共鸣. 关于共鸣腔体的用法,各种唱法共鸣腔用的不一样,根据歌唱的需要,有的唱法各部位共鸣腔体全都用;有的唱法只用某个局部;有的用这部分有的用那部分 ,不同剧种不同声区用的共鸣体也不一样,区别唱法是很重要的一点,是区别所有腔体的部位和腔体的用法.美声唱法是根据音的高低偏重于某一部分共鸣多些,但所有的共鸣腔体全都要用,这样用共鸣发出的声音色彩与生活中用的声音是有距离的. 4,歌唱的语言
以上三个方面讲的人声乐器怎样发出歌唱的声音.在人声这个乐器中,有一种独特的功能任何乐器都做不到的,就是配合歌声同时发出传情达意的诗词歌赋.我们通称为歌唱的语言. 人类语言中的语音,由两种音构成,一 是元音,又叫母音,一 是辅音,又叫子音,在汉语拼音中称韵母和声母.歌唱,主要是唱好元音,因为人声发出来的能延长的音基本都是元音,因为语言 不同,元音也有各式各样的.只要是人类为传 情达意而发出的声音都是元音,只要出声音就有元音.元音是语言中的重要部分,歌唱中唱好元音能使声音流畅,美化而富于色彩性.我们的演唱都要唱在元音上,要正确把握元音.汉语的基础元音有a,o,e,i,u,v,还有复合元音,由两三个元音复合而成,如ai,ao,ei,ou,ia,iao„„鼻化元音是由元音和辅音n,ng复合而成的.如an,en,ian,ong,ang,中国歌曲戏曲训练唱好十三辙,其目的都在于将元音训练好. 我们发声最基本的五个元音a,e,i,o,u,唱歌元音的位置,五个元音全在咽腔内,各有各的地位和形式.喉器在元音的变化虽然不是一个位置,但我们要尽量使五个元音既清楚而且喉器的状态动作尽量小.不要唱i时喉器提高,唱u时喉器很 低,要保持住很稳定的状态. 元音有各式各样的,世界各国语言不同,相同的元音在不同国家的语言 中也会有不同的色彩.所以,在唱某个元音时,可能在这个国家的语言中认为是唱的对的,而在另一个国家的语言中
则认为是不正确的,我们在处理不同歌曲时要特别注意. 语言的另一部分是辅音,也称子音.辅音在发音时气流受唇齿牙舌喉阻碍的音.每个字头的辅音有一定的形式其音的部位.辅音的发音有两种情况,一个是发音的部位,一个是阻 气的方式,歌唱念字的时候,该哪儿使劲就哪儿使劲,其它地方绝对不能帮忙,片面的注意吐字声音就紧了,硬了.我们一定听说过字正腔圆即字要吐的清楚,又 要得到好的共鸣,元音念的准,唱的对,辅音突出的够标准,耳朵听着绝对正确. 字在中声区,共鸣状态与生活中比较接近,到了高声区,我们要把字送到高声区的共鸣腔里,此时在唱字的动作上,需要将口腔后部的状态按照元音的需要加以调整,歌唱中唱元音时,嘴的前部是被动的,起辅助作用.主要的作用来自嘴的后部的腔体调整,越到高音念字的共鸣腔 越需要开大些,这样会保持纯净的元音而不变形. 此外补充几点:第一,在歌唱的实践中,要使吐字清晰自然,下颚,唇舌的肌肉必须放松而灵活;第二,在吐字过程中,舌的动作不能犹豫,迟钝;第三,要注意舌和下颚的关系;第四,歌唱的吐字是,不要固定某种口型,这样易把嘴唇给限制住,使许多着力在唇的子音根本无法咬清楚,严重地妨碍了子音的形成和词 意的表达. 以上说的是歌唱的基本要素,当然还有其他要求,我在这儿就不再详细介绍了,把握了歌唱的一些发声技巧和方法,这还远远不够,下面 我简单说一下: 二,歌唱的艺术表现 声乐艺术(美声唱法)同其他唱法的声乐艺术一样,是集音乐,声乐和舞蹈表演艺术为一体的一种综合艺术形式.一个优秀的歌唱者,必须掌握声乐作品中复杂的音乐语言和文学语言,不仅要有相应的发声技巧做基础,还要有具备一定的舞台形体表演的条件和知识技能.贝基先生曾说过,美声唱法唱起来不是一板一眼死照着谱子,而是心里要有些什么;有的人一板一眼按音乐唱,听的人说:不错,把谱子都唱出来了,但缺乏感染力.贝基先生说的心里要有点什么和感染力也就是我们所说的艺术的表现能力.那么该如何培养自己的艺术表现 能力呢 1, 培养良好的音乐修养
音乐修养,田玉斌先生曾这样说:音乐修养是指理论,知识,艺术和思想等方面所具备的一定水平.它具体包括以下几个方面的内容: a.音乐理论知识水平.b.音乐的审美能力即歌者的艺术品质.c.对音乐作品的理解能力即歌者对音乐语言的领悟力或感受力.d.对音乐作品的表现力,这是一个歌者音乐修养高低的集中表现. 作为歌唱者,我们该如何提高自身的音乐修养呢 我们可以从以下几个方面入手: ①善于从各种不同的姐妹艺术吸取营养.因为一个人的直接生活经验是十分有限的.因此,善于从其他形式的姐妹艺术中吸取营养,可视为一条丰富音乐知识加强音乐修养的良好途径.其他艺术形式的作品,也是艺术家根据生活而创作 的成果,包含了对生活的各种经验的描述和体验,善于向其他的姐妹艺术学习,一 是丰富自己的生活积累,二是可观察其它艺术者是如何体验生活和描述生活的,并从中得到启迪和感染,进一步加强自己对音乐语言和歌词的文学语言的理解和把握能力. ②善于思考
思考的内容包括:一 是对歌唱方法,发声技能的生理技能感受的调节的思考.二是对音乐作品诸要素的分析和思考,其中有对歌词 的内容的理解,对作品思想内涵的深入研究,也有对音乐风格,曲式结构的分析高潮安排的研究等等.例如《黄河怨》的开头,风儿,你不要叫喊,云儿,你不要躲闪有的人说在风儿之后换气,再唱你不要叫喊,后面一样,也有的人说在 风儿与你不要叫喊中间不要换气.那么到底该用哪一种效果好呢 一开始学唱这首歌时,用不同的方式试了几次,我以为后者的方式好一些,若中间换气,破坏了歌唱的完整性,情感抒发的断裂性,那种开始如泣如诉的情绪还比较平稳. ③勤于实践篇五：大学音乐课的心得体会 对音乐欣赏课的心得体会
很高兴这学期开设了音乐欣赏课，在陈老师耐心、满腹热情地指导下，我深感受益匪浅。正所谓，师傅领进门，造化在个人，在短短8次课的学习中，我觉得我对美好音乐的欣赏能力，对各种乐器的鉴赏能力，以及对高雅音乐的敏感程度都得到了很大的提高。当然，在欣赏的过程中也遇到一些麻烦和困惑的事儿。下面我来细谈对这门课程学习的的心得体会：
首先来谈谈我们的陈老师。第一节课，初次接触陈老师，被她的认真劲儿吓一跳，因为陈老师一上讲台，就来句“上课”，班长接上“起立”，我们集体来场正式的见面礼仪活动，而且还实行每节课点名制度，不得让在座的各位咋舌诧异。在后来的课堂交流中，越发觉得老师很可爱，第一：老师很负责，课上的很充实。第二：老师很有魅力，她在教学中，乐理知识说得很生动，乐曲鉴赏得很有感情，重要的一点是，她试唱得很有味道，圆润的嗓音中跳动着对音乐的热爱，丰富的表情更传达了对音乐的陶醉，具有相当大的感染力，有时我们觉得，光听老师试唱就是享受了。第三，老师很大方、热情，不论在讲课还是试唱中，眉宇之间都散发出一股豪放之气，学音乐的就是不一样。
再来谈谈对音乐欣赏课认识和体会。我认为，没有音乐是乏味的，不懂音乐更是悲哀的，有旋律、有节奏、有音符的生活是享受的，这门课的学习正提高了我们对美好音乐的欣赏能力和感受能力，引领我们走进音乐、了解音乐、感受音乐??具体地说，通过这门课的学习，第
一、我了解了许多乐理知识，如旋律、节奏、复调等，认识了音乐的曲式美，知道了音乐欣赏的审美实践，欣赏音乐应从音乐感知入手，然后进入感情体验，再唤起我们的想象和联想，最后通过理解，认识领悟音乐的思想和生活的意境，最终获得音乐的美。第
二、了解了国
内外民歌的风格特色，比如日本民歌的演唱方法很独特，采用独特的颤音，一次多音的拖腔，表现了日本的民族风格，民谣《樱花》便是典型的代表；再如艺术歌曲---咱中国小提琴协奏曲《梁祝》，她以浙江的越剧唱腔为素材，把中国民间传说梁山伯与祝英台的爱情故事融入到西方交响乐当中，深入而细腻地描绘了梁祝相爱、抗婚、化蝶的情感与意境，再创经典，她感伤的旋律，柔柔轻拨，是微痛的驿动，是心愁的缓泻，深深的哀怨、浓浓的情殇；她感人的故事，表现了中国儿女对美好爱情的向往。第
三、了解了多种乐器的音色演奏特征，如铜管乐器（圆号、小号、长号、大号）音色特点是雄壮、辉煌、热烈，虽然音质各具特色，但宏大、宽广的音量为铜管乐器组的共同特点，这是其它类别的乐器 所望尘莫及的。弦乐器（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）音色特点是柔美、动听，在古典音乐乃至现代轻音乐中，几乎所有的抒情旋律都由弦乐声部来演奏。 最后谈谈我对音乐欣赏课程的意见和建议。第
一、我觉得应该配教材，这样利于老师的特色教学和学生的自主学习，讲乐理知识的时候，光是老师“讲”学生“记”，不利于学生思维的发散。第
二、老师应该让学生也参与试唱得环节，这样让学生自己参与，主动体验，更能提高学生对音乐的欣赏能力，提高学生感受美的能力，也提高了学生学习音乐的乐趣。 总之，从这门课程的学习中，我对音乐有了新的认识，对民歌、艺术歌曲以及通俗歌曲有了新的诠释，现在也不会像以前一样，耳朵里只容得下流行歌曲了。
第三篇：音乐学习心得体会
音乐课是人文学科的一个重要领域，是实施美育的主要途径之一，是基础教育阶段的一门必修课。
音乐课程的价值主要体现在以下几个方面：
1.审美体验价值音乐教育以审美为核心，主要作用于人的情感世界。音乐课的基本价值在于通过以聆听音乐、表现音乐和音乐创造活动为主的审美活动，使学生充分体验蕴涵于音乐音响形式中的美和丰富的情感，为音乐所表达的真善美理想境界所吸引、所陶醉，与之产生强烈的情感共鸣，使音乐艺术净化心灵、陶冶情操、启迪智慧、情智互补的作用和功能得到有效的发挥，以利于学生养成健康、高尚的审美情趣和积极乐观的生活态度，为其终身热爱音乐、热爱艺术、热爱生活打下良好的基础。
2.创造性发展价值
创造是艺术乃至整个社会历史发展的根本动力，是艺术教育功能和价值的重要体现。音乐创造因其强烈而清晰的个性特征而充满魅力。在音乐课中，生动活泼的音乐欣赏、表现和创造活动，能够激活学生的表现欲望和创造冲动，在主动参与中展现他们的个性和创造才能，使他们的想像力和创造性思维得到充分发挥。
3.表现与社会交往价值
音乐在许多情况下是群体性的活动，如齐唱、齐奏、合唱、合奏、重唱、重奏以及歌舞表演等，这种相互配合的群体音乐活动，同时也是一种以音乐为纽带进行的人际交流，它有助于养成学生共同参与的群体意识和相互尊重的合作精神。成功的音乐教育不仅在学校的课堂上，而且也应在社会的大环境中进行，对社会音乐生活的关心，对班级、学校和社会音乐活动的积极参与，将使学生的群体意识、合作精神和实践能力等得到锻炼和发展。
依据音乐教育的性质和价值，音乐教育所承担的任务可概括为：通过提供给学生感受音乐、表现音乐、创造音乐的机会，使学生主动参与到音乐实践活动中，并在音乐实践活动中学习最基本的音乐文化知识技能技巧，以培养学生的音乐兴趣和爱好；使学生获得音乐审美的体验和享受成功的欢愉；提高学生的音乐鉴赏能力和表现能力；奠定其终身学习、享受音乐，发展音乐的坚实基础。与此同时，通过音乐教育，着力培养学生个性，创造精神以及合作意识，陶冶高尚情操，发展创造力，并为其他方面的学习创造有利的条件，以促进学生的全面和谐发展，培养对人和生活乐观的态度。播所产生的强大凝聚力，有助于培养学生的爱国主义情怀；学生通过学习世界上其他国家和民族的音乐文化，将会拓宽他们的审美视野，认识世界各民族音乐文化的丰富性和多样性，增进对不同文化的理解、尊重和热爱。
因为音乐教育承担着上述任务，因此其教育观念知道思想及其具体的行为方式沙锅必须承担以下几个特征。
（1）基础性。传统意义上的基础知识和基本技能将不在是中小学音乐教育基础性的全部或主要内涵，使学生热爱音乐，对音乐产生浓厚的兴趣，并奠定学生在音乐方面的可持续发展的坚实基础，这是音乐教育基础性的要义所在。这就要求中小学教学内容必须以是否有利于学生学习音乐、享受音乐、参与音乐实践活动，获得审美愉悦体验为主要取舍标准。
（2）民主性。音乐教育要真正面向全体学生，包括弱智、残疾儿童在内的所有学生都有接受一虐教育的权利，承认和维护学生在音乐方面的个性差异，为学生在音乐方面的学习和自由发展，创造宽松的时空环境。音乐教育要充分尊重学生的人格，维护学生在音乐学习方面的自尊心和自信心，欣赏学生在音乐鉴赏和表现方面的才能，真正把学习音乐的幸福和成功的欢愉带给每一个学生，音乐教育要充分尊重学生的教育主体地位，教学内容、方法、评价等都必须以学生主体为主要依据，真正做到以学生为本，以学习为本。
（3）开放性。学校音乐教育要把社会音乐教育环境和家庭音乐教育主动纳入自己的视野，使三者形成合力，把音乐教育与学生的日常音乐生活有机地联系在一起。在内容的选择、要求的确立、教材的编排等方面不过分追求系统、全面和整齐划一，为教学留有足够的接口和创造余地。要加强音乐课程与学校其他学科课程、特别是其他艺术课程之间的横向联系，使之密切配合，互相渗透，共同发展。
（4）科学性。中小学音乐课程必须建立科学地反映出中小学音乐课程为普及的、普通的、音乐基本素质特点的独立、完整的国民音乐教育的科学体系。要科学地把握教学内容和教学要求，使之切合中小学生的年龄特征与心理需求，并能更好的突出音乐学科的特点。
（5）实践性。音乐课程在小学教育中是活劳动、实践性最强的课程之一，因此，小学音乐教育不应该理性化、学术化，而应该在一定程度上音乐生活化，让学生在参与丰富多彩的音乐活动中，有趣地、令人开心地掌握基本的文化知识技能，获得审美愉悦体验，增强进一步学习音乐的兴趣和自信，即在一定程度上让学生“从做中学”、“从乐中学”让音乐充满人生，让快乐伴随终身。正因为有以上的一些特征，因此音乐教育要体现以下教学理念：
1.以音乐审美为核心
以音乐审美为核心的基本理念，应贯穿于音乐教学的全过程，在潜移默化中培育学生美好的情操、健全的人格。音乐基础知识和基本技能的学习，应有机地渗透在音乐艺术的审美体验之中。音乐教学应该是师生共同体验、发现、创造、表现和享受音乐美的过程。在教学中，要强调音乐的情感体验，根据音乐艺术的审美表现特征，引导学生对音乐表现形式和情感内涵的整体把握，领会音乐要素在音乐表现中的作用。
2.以兴趣爱好为动力
兴趣是学习音乐的基本动力，是学生与音乐保持密切联系、享受音乐、用音乐美化人生的前提。音乐课应充分发挥音乐艺术特有的魅力，在不同的教学阶段，根据学生身心发展规律和审美心理特征，以丰富多彩的教学内容和生动活泼的教学形式，激发和培养学生的学习兴趣。教学内容应重视与学生的生活经验相结合，加强音乐课与社会生活的联系。、戏剧、影视、美术等姊妹艺术的综合；音乐与艺术之外的其他学科的综合。在实施中，综合应以音乐为教学主线，通过具体的音乐材料构建起与其他艺术门类及其他学科的联系。
3.面向全体学生
义务教育阶段音乐课的任务，不是为了培养音乐的专门人才，而应面向全体学生，使每一个学生的音乐潜能得到开发并使他们从中受益。音乐课的全部教学活动应以学生为主体，师生互动，将学生对音乐的感受和音乐活动的参与放在重要的位置。
4.注重个性发展
每一个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐，享受音乐的乐趣，参与各种音乐活动，表达个人的情智。要把全体学生的普遍参与与发展不同个性的因材施教有机结合起来，创造生动活泼、灵活多样的教学形式，为学生提供发展个性的可能和空间。
5.重视音乐实践
音乐课的教学过程就是音乐艺术的实践过程。因此，所有的音乐教学领域都应重视学生的艺术实践，积极引导学生参与各项音乐活动，将其作为学生走进音乐，获得音乐审美体验的基本途径。通过音乐艺术实践，增强学生音乐表现的自信心，培养良好的合作意识和团队精神。
6.鼓励音乐创造
中小学音乐课程中的音乐创造，目的在于通过音乐丰富学生的形象思维，开发学生的创造性潜质。在教学过程中，应设定生动有趣的创造性活动的内容、形式和情景，发展学生的想像力，增强学生的创造意识。对音乐创造活动的评价应主要着眼于创造性活动的过程。7.提倡学科综合音乐教学的综合包括音乐教学不同领域之间的综合；音乐与舞蹈
8.弘扬民族音乐
应将我国各民族优秀的传统音乐作为音乐课重要的教学内容，通过学习民族音乐，使学生了解和热爱祖国的音乐文化，增强民族意识和爱国主义情操。随着时代的发展和社会生活的变迁，反映近现代和当代中国社会生活的优秀民族音乐作品，同样应纳入音乐课的教学中。
9.理解多元文化
世界的和平与发展有赖于对不同民族文化的理解和尊重。在强调弘扬民族音乐的同时，还应以开阔的视野，学习、理解和尊重世界其他国家和民族的音乐文化，通过音乐教学使学生树立平等的多元文化价值观，以利于我们共享人类文明的一切优秀成果。
10.完善评价机制
应在体现素质教育目标的前提下，以音乐课程价值和基本目标的实现为评价的出发点，建立综合评价机制。评价应包括学生、教师和课程管理三个层次，可采用自评、互评和他评等多种形式。评价指标不仅要涵盖音乐的不同教学领域，更应关注学生对音乐的兴趣、爱好、情感反应、参与态度和程度，以及教师引导学生进入音乐的过程与方法的有效性等诸多方面。应善于在动态的教学过程中利用评价起到促进学生发展、提高教师教学水平和完善教学管理的作用。
第四篇：音乐学习心得体会
本学期，我认真学习了《音乐教学评价》一书，使我对小学音乐教学评价有了深一步的认识，音乐教育作为小学教育的重要组成部分，其目的不是选拔适合教育的孩子，而是面向全体学生，更多关注学生对音乐的兴趣、爱好、情感体验等方面，让学生在音乐实践活动中感受美、鉴赏美、表现美、创造美。让学生了解自己的进步，发现自身的音乐潜能，建立自信，形成积极乐观的生活态度，增强社会交往能力、合作能力，促进自身发展。 学生由于遗传和先天素质的影响，个体差异较大，所以在教学中，教师必须因材施教，根据学生的不同情况提出不同层次的要求，及时给予鼓励，让每位学生享受成功。
一、更新教育观念鼓励个性体验
音乐教学已从以往培养学生能唱会跳、认识简单的乐谱，转变为丰富学生的音乐体验。音乐教学中所谓的体验，是指学生在音乐活动中唱、听、动、看时所产生的感觉。学生由于个性特点、生活环境不同，对同一教学内容也会有着独立的思考、独特的见解和独特的感受。教师在音乐教学中应允许学生个性化的提问，尊重学生个性化的回答，鼓励学生个性化的表演，尊重学生个性化的实践。鼓励他们进行个性化的艺术活动，帮助他们认识自己的独特性和价值，从而促进学生的个性发展，树立学习音乐的信心，提高学生的音乐素养，形成个性化的审美情趣。如听课中感受到：教师引领学生学习歌曲《小青蛙找家》后，让学生针对“跳跳，呱呱！跳跳，呱呱！跳跳跳，呱呱呱！跳跳跳，呱呱呱!”展开想像，表现出小青蛙找家时的情形。有的学生急促地跳来跳去，脚步越来越快，叫声越来越急，小脸都急红了。其理由是：“小青蛙迷路了，心里很着急。找啊找，还找不到家，就更着急了，脚步更快了，叫声更急了。”同一种表现有的学生有着不同的理由：“小青蛙找不到家，很着急，经过打听，知道家在哪儿，心里就更着急了。它想快点回到家，早点见到妈妈。所以脚步越来越快，叫声越来越急。”还有的小朋友与众不同，有着独特的见解：“小青蛙找不到家很着急，脚步很快，可家在前面出现了，心里一块石头落了地，就不着急了，心情舒畅了，脚步就放慢了，叫声起来越美了。”不同的表现、不同的话语道出了学生自身的真实感受。教师切不可因循守旧，寻规蹈矩，盲目统一答案。要给学生一个自由的空间，尊重学生的奇思妙想，尊重学生的个性创造，鼓励学生的个性体验。
二、尊重个体差异
让评价更具人性魅力 众所周知，十个手指不会一般齐，更何况是学生呢？由于先天遗传和后天教育环境的差异，学生的音乐兴趣、音乐潜能也有一些甚至很大的差异。因此不同的学生在掌握知识和技能上是不一样的，对音乐的感受、理解与表现也各不相同。作为人类灵魂的工程师，老师不能以同一标准去衡量所有学生，而应尊重学生的个体差异，在教学中建立多元交互的评价标准，以学生的个性特点为基础，把全体学生参与和发展不同个性的因材施教有机结合起来，让每个学生都有权利以自己独特的方式学习音乐，参与音乐活动，表达个人的情感，享受音乐的兴趣，促进学生音乐素养的形成与个性的不断发展，让评价更具人性魅力。
（一）尊重学生的能力差异
学生在学习上的能力是有差异的，音乐方面也是如此。对于老师的要求，有的学生可以轻松达到，有的则费九牛二虎之力，也未见成效。如果非要让一个能力欠缺的学生，不折不扣地达到全班的统一要求，也许通过师生共同努力能勉强达到，但从心理学角度来看，是不合理的，违背了学生心理发展的特点。在评价中，教师应尊重学生的能力差异，制定出不同的评价标准，让每个层次的学生都享受成功、体验快乐、得到发展。如学习歌曲《牧场上的家》时，把第一乐句看作全曲的基础。根据学生的能力差异，经过师生讨论交流后制定出三个不同的评价标准：基础好的学生，得优秀的标准是能够准确、流畅、有感情地演唱全曲，并把弱起小节、3/4拍等音乐元素充分表达出来；大部分基础一般，能力较弱的学生，得优秀的标准是能准确地唱完全曲；对音乐不感兴趣，能力很差的学生，如能正确地演唱第一乐句，也可以给个良好的等级。学生根据自身情况选择，结果在演唱中个个表现得轻松、愉快，既获得了成功，又增强了学习音乐的自信心。
(二)尊重学生的性格差异
对待同一现实，学生所持的态度和采取的行为方式是不同的，这就是性格差异。在音乐领域中，这种差异十分明显。音乐是一门强调体验的艺术，如用“标准答案”去要求学生，显然不合适。在教学评价中，教师应尊重学生的性格差异，采用多元的评价标准，让音乐课堂异彩纷呈，让学生个性得以发挥。欣赏乐曲《北京喜讯到边寨》时，让学生选择出自己喜爱的段落。a、b两部分表现的情绪和场面截然不同，有的学生选择了热烈奔放的a段，有的学生选择了优美抒情的b段，并说出了相应理由。评价时，教师主观上更倾向于a段，但对于两种选择都应肯定。因为学生的选择是他们真实的内心体验的外化，都说出了令人信服的理由，反映了他们的性格差异。
(三)尊重学生的经验差异
美国教育家杜威认为：“教育即经验的改造”。我们们在教学中，在评价时，也应明确“教育只有扎根于儿童的生活与经验，教育才能发挥自己的效能，教育才有意义。”学生生长在不同的环境，有着不同的经历，他们的生活经验是有差异的，这种差异应得到教师的理解和尊重。不同的生活经验，使学生对同一首乐曲也会产生不同的想像，在评价时，教师都应给予充分肯定。
三、坚持鼓励性评价
呵护学生的自信心 教学的艺术不在于传授本领，而在于激励、唤醒和鼓励，许多成功的课例都与教师恰当地应用激励手段分不开”。为了保持和提高学生主动参与教学活动的积极性，教师应及时捕捉有用信息，对学生的表现进行适当、适度的鼓励性评价，这样不仅可以增强学生的荣誉感、自豪感，而且还可以活跃课堂气氛，减轻学生心理负担，激发学生的学习兴趣，不断提高学生参与的水平。 在音乐课上，学生由于自己的努力，在一次成功的演唱、一段精彩的表演、一个满意的回答后，心情会十分舒畅。这时教师要及时发现，捕捉学生智慧的火花，对学生的出色表现给予充分的肯定和赞赏，千万不要吝啬自己的感情和语言，而要及时、巧妙地运用鼓励的艺术，激发学生的积极情绪，让学生知道你在关注他、赞赏他。二年级有一名同学自控能力差，音乐学习能力一般。一次在玩音乐游戏“寻宝”时，我们刚讲解完游戏的玩法及规则，他就高高地举起了小手。我们像发现宝贝似的请他上台“寻宝”。游戏开始了我们手里捏着一把汗，睁大眼睛看着他，没想到他是那样自如、敏捷，随着学生拍击节奏强弱的变化调整方向，节奏声强，他大步向着目标前进，节奏声弱，他立刻调整方向最后成功地找到了“宝物”，他甜美地笑了，我们激动地迎上去，握住他的小手赞许地说：“你真了不起，真是个出色的寻宝家!”教室里顿时响起了雷鸣般的掌声。从此以后，这名学生变了，上课专心了，发言积极了，音乐能力有了明显提高。 教师的鼓励性评价应注意把握两个方面：一是参与态度的评价，教学中教师应用心观察学生参与的情况，及时进行评价。表扬态度认真的学生和小组并给以奖励――小红花，为其他学生树立榜样，以此激励每位学生参与的积极性，对个别态度不端正的学生，教师应有意识的在以后的活动中给予适当的帮助，从而达到全体学生提高参与水平的目的。二是参与效果的评价。学生以主人翁的态度积极参与教学，对他们在教学活动中取得的成绩，教师应给以充分的肯定和积极的鼓励，但对参与效果的评价要因人而异，让所有学生在参与中感受到成功的快乐。 上次参与的快乐，正是下次参与的动力，如此循序渐进，会使学生逐步形成良好的学习心境，从而提高学习效果。
四、合格加特长让每块金子都闪光
在以往的教学评价中，教师往往采用让学生唱一首课本上的歌曲来给学生评分，一捶定乾坤。有的教师甚至凭自己的主观臆断和对学生的大体印象给个分数，这样既不科学也不全面。不但不能全面反映学生的音乐学习情况，更会增加学生的心理负担，削弱他们学习音乐的积极性，容易让学生误解音乐课就是唱几首歌，不必学习其他知识。教师不能得到正确的教学效果反馈，对学生掌握知识的多少、好坏不能正确评价，不能使学生充分发挥各自的特长，全面评价学生。学生的素质存在差异，每位学生都有着自己的闪光点。有的歌唱得好，有的舞跳得棒，有的会演奏乐器，有的能表演音乐剧。为了让学生展现自我们，扬长避短，教师组织学生讨论确定以“班级音乐会”的形式进行学期测评。两周前师生们讨论制定出不同的评价标准、评价内容和评价方式：每位学生积极准备，于一周前上报自己参评的内容。内容之一：必须演唱书上的歌曲，歌曲自选，演唱形式自定，可以独唱；可以两人或多人齐唱；也可以进行歌表演等等。内容之二：特长展示。学生根据自身爱好，发挥自身特长，演唱歌曲、表演舞蹈和演奏乐器等等均可。针对书上歌曲的演唱，制定出四个不同层次的评价标准：基础好的学生，优秀的标准是有感情地演唱歌曲，随伴奏准确开始和结束，并能准确表达歌曲的情感；基础中等的学生，优秀的标准是随伴奏准确、流畅地演唱歌曲；基础差的学生，能随范唱完整演唱歌曲即可获优；胆子小、基础极差、不喜爱音乐的学生，哪怕只勇敢地走上台，演唱一句歌词，那也是成功，会得到同学们鼓励的掌声，给予及格，守纪律的